Esquema de la información del blog.

Seguimiento del trabajo en clase.

Bienvenido al mundo de la fotografía en blanco y negro

Introducción.

El escaso desarrollo y la falta de fomento del arte y la expresión plástica en Educación Infantil dentro del currículo se debe a que se considera una pérdida de tiempo, es decir, se infravalora esta asignatura frente a otras consideradas aparentemente “más” importantes.

Por ello, se ha decidido realizar este blog de la fotografía en blanco y negro ya que a través de ella podemos trabajar el arte, a través de autorretratos y trabajos con la propia imagen de los niños/as a partir de fotocopias en blanco y negro, lo que favorecerá la percepción positiva y divertida de uno mismo y de los demás.

A continuación, el blog recoge los fotógrafos más importantes de la fotografía en blanco y negro, además de revistas, fotografías aportadas por los componentes del blog, y aspectos que están tan de moda como los selfies y el photoshop.

¿Qué es la fotografía?

La fotografía es el  arte y la técnica de obtener imágenes duraderas debido a la acción de la luz. Es el proceso de proyectar imágenes y capturarlas, bien por medio del fijado en un medio sensible a la luz o por la conversión en señales electrónicas. 

Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido. Para capturar y guardar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizan  película sensible para la fotografía analógica, mientras que en la fotografía digital se emplean sensores CCD,CMOS y memorias digitales. 

Este término sirve para denominar tanto al conjunto del proceso de obtención de esas imágenes como a su resultado: las propias imágenes obtenidas o «fotografías».

Nacimiento del Blanco y el Negro.

La mayoría de los fotógrafos construían sus propias cámaras , conseguir la imagen visible constituía un acontecimiento . A pesar de las dificultades, los fotógrafos del siglo XIX y XX produjeron imágenes de una calidad extraordinaria tanto que casi parecen contemporáneas.

La fotografía no sólo proporcionó una nueva dimensión a los retratos, sino que también amplió los horizontes del hombre al aportar pruebas visuales e inmediatas de la vida y paisajes de otros pueblos.

Primer fotógrafo: Joseph-Nicéphore

La primera imagen fotográfica de Joseph – NICÉPHORE  Niepce , contiene elementos que apenas son reconocibles debido a la escasa fotosensibilidad de los materiales que hacía necesaria una larga exposición .

Niepce colocó una pequeña caja de madera en la ventana de su taller. Había acoplado una lente en un orificio en  la parte frontal de la caja, y dentro de la misma había colocado una placa de peltre cubierta de cierto tipo de asfalto. Dejó esta cama en ese lugar durante 8 horas y luego retiró la placa y la lavó con aceite de lavanda . Donde la luz había alcanzado la placa el asfalto se había endurecido; en la zona sin exponer, el aceite lo disolvió, apareciendo el metal pulido .

Autores Contemporáneos: Sebastiao Salgado

Uno de los fotógrafos contemporáneos en blanco y negro por excelencia, el trabajo de Sebastiao Salgado viene a la cabeza de forma inmediata al pensar en este tipo de imágenes. Tras pertenecer durante 15 años a Magnum Photos, el brasileño fundó en 1994 Amazon Images para potenciar su obra de marcado carácter humanista y naturalista. “Workers”, “Migrations” y "Génesis"son sus proyectos más destacados.

De hecho Salgado es uno de los fotógrafos más reconocidos a nivel internacional. Sus imágenes poseen una innegable fuerza visual, la historia que hay detrás -sobre todo de su obra más antropológica- siempre es interesante y su obra mantiene una gran coherencia.

Salgado pertenece a la tradición de la fotografía sociodocumental. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. En la introducción a Éxodosdice: "Más que nunca, siento que solo hay una raza humana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos." En 2001 llegó a ser nominado representante especial de UNICEF por su labor.

Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras Américas o Éxodos. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada  en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica.

En el año 1989 recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad.  

En junio de 2007, tras recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, hubo una gran exposición antológica sobre su trabajo en el festival internacional de PhotoEspaña,Madrid, donde ganó el Premio del Público.

En el año 2014, sale a la gran pantalla el largometraje La sal de la tierra (2014) . Dirigida por Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado se narra una aventura de Sebastião Salgado por los cuatro continentes. El metraje recibió excelentes críticas y llegó a ganar numerosos premios: Premios César: Mejor documental, Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado ("Un Certain Regard"), Premios Oscar: Nominado a Mejor largometraje documental.

Autores Contemporáneos: Munem Wasif

Las composiciones con un caos bien resuelto son una tónica en el trabajo de Munem Wasif.

Y en este sentido el blanco y negro -con un ligero virado cálido- ayuda a poner orden a la visión que el bengalí tiene de su propio país, su principal escenario de trabajo.

La fotografía de este galardonado autor nacido en 1983 tiene un marcado sesgo humanista, y su implicación, entendimiento y cercanía a un mundo que le es propio se hacen patentes en cada toma.

Tierra de colores vibrantes, Bangladesh está fuertemente influida por el monzón, cuya incidencia conlleva unos cambios muy drásticos en la atmósfera de las fotografías en función de la época del año. Cambios que Wasif consigue relativizar con el uso del blanco y negro.

Autores Contemporáneos: Michael Ackerman.

Las fotografías de Michael Ackerman son enigmáticas, inquietantes, intimistas y llenas de tensión son las fotografías de Michael Ackerman. Pese a que las formas y el contenido recuerdan inevitablemente a la obra de Antoine D'Agata, el lenguaje surrealista de este fotógrafo de Agence Vu es algo menos egocéntrico y da más énfasis a su visión particular del mundo que a sí mismo.

Ackerman juega con las sombras, las luces, los destellos, el humo, las siluetas, los reflejos, el movimiento, las composiciones forzadas, los retratos en primer plano y el retoque marcadamente contrastado para insinuar sin llegar a mostrar en cada una de sus fotografías.

Es tarea del espectador interpretarlas, y sobre todo evocar en ellas las sensaciones que este autor estadounidense nacido en Tel Aviv experimenta a través de su trabajo.

Autores Contemporáneos: Vanessa Winship

Por su estilo y por el uso que hace del blanco y negro, Vanessa Winship es una de las fotógrafas más clásicas de esta lista. Sus proyectos principales se centran en dar protagonismo a grupos sociales fronterizos en un sentido amplio. Así, “Imagined States and Desires: A Balkan Journey” trata sobre los refugiados albanokosovares de la segunda oleada del conflicto de los Balcanes, y “Black Sea: Between Chronicle and Fiction” nos muestra a las poblaciones que habitan las costas del Mar Negro.

Además de los Balcanes y el Cáucaso, la predilección de esta británica de Agence Vu por lugares que están a caballo entre dos mundos distintos -y el influjo sobre las identidades de las personas que habitan en tierra de nadie- la trajeron a España el pasado año con un encargo de la Fundación Mapfre bajo el brazo para realizar “Almería. Where Gold Was Found”. Winship trabajó en la provincia andaluza fuertemente inspirada por la obra de Juan Goytisolo “Campos de Níjar”.

Como en sus anteriores trabajos, las fronteras son algo más que geográficas, y en el sudeste peninsular se dan cita el paisaje endémico y la agricultura forzada de invernaderos, el calor lejano de una población aislada en el desierto y el frío desamparo de una construcción bajo el sol.

Autores Contemporáneos: Fan Ho

Maestro asiático de la street photography por excelencia, Fan Ho ha desvelado en blanco y negro la cotidianidad de la vida en Hong Kong -donde se crió- durante los años 50 y 60. Las siluetas, las líneas creadas entre zonas de luces y sombras y la sencillez de elementos en la composición constituyen la marca más evidente de su estilo.

Más allá de la época en la que se enmarca, el trabajo de Fan Ho -que utilizaba una Rolleiflex- se entiende sobre todo en blanco y negro: en algunas escenas el color habría despistado demasiado de las formas; en otras, los contraluces habrían dejado probablemente un marcado sabor monocromático. Pese a que Fan Ho inició una notable carrera como director de cine, en 2010 reinterpretó algunos de sus negativos mediante dobles exposiciones.

Autores Contemporáneos: Jeanloup Sieff

Pese a que su obra como fotógrafo de moda es la más reconocida, las series de danza y los retratos de Jeanloup Sieff mantienen la misma coherencia de ese blanco y negro con sombras profundas y un cierto sabor a reportaje heredado de sus primeros años con la cámara y que ya nunca abandonó.

Es en la fotografía de moda en la que Sieff (fallecido en el año 2000) imprime un carácter propio, generalmente usando ópticas angulares, primeros planos, encuadres a menudo y con tensión… incluso dando gran importancia al contexto de la escena. En su fotografía de paisaje, casi siempre vertical, el blanco y negro tiende a los tonos oscuros, dándole una gran fuerza expresiva y capaz de evocar sentimientos de nostalgia en el espectador.

Autores Contemporáneos: Tomas Gudzowaty.

El polaco Tomasz Gudzowaty es uno de los fotógrafos más cuidadosos con la edición de sus imágenes en blanco y negro. Con su serie de ensayos “Beyond the Body” sobre distintos deportes a lo largo y ancho del planeta se ha granjeado numerosos galardones, incluidos entre ellos nueve premios World Press Photo.

Con pocos elementos en sus encuadres e imágenes sencillas, Gudzowaty usa una cámara de placas para controlar totalmente la profundidad de campo y la dirección de las zonas de nitidez, de manera que guía a su antojo la mirada del espectador a través de sus fotografías.
 
El resultado es una serie de reportajes que incluyen retratos, algunos paisajes y por supuesto escenas de acción en infinidad de situaciones y ambientes distintos: desde una carrera de coches en el desierto mexicano hasta un entrenamiento de natación sincronizada en una piscina de Ucrania, pasando por las planicies mongolas. El autor ha completado así un proyecto global ingente, homogéneo y con un sello propio en blanco y negro.

Autores Comtemporáneos: Alberto García-Alix

Del autor maldito de la Movida madrileña conocemos muchos rostros (el suyo propio sobre todo) y muchas historias (vividas la mayoría en primera persona). Alberto García-Alix ha hecho de su mundo interior y del que le rodea el personaje principal de una obra atípica y muy a menudo a contracorriente.

A base de retratos, detalles, espacios y algún paisaje, el de León utiliza una gramática propia. Aunque muchas de sus fotografías son rompedoras -otras son muy clásicas-, es la honestidad de su lenguaje, la total desnudez con que presenta su propia vida lo que más cuenta en su obra. Y lo hace con un blanco y negro que ayuda al espectador a mirar de frente todo ese derroche de sinceridad.

En la obra de García-Alix la falta de color no ensalza las formas: las delata. Tan sencillo como que la sangre gris oscuro hace que busquemos sus ojos y no la herida.

Alaska

Autores de Interés: Ansel Adams

Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros comoEdward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.

Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.

Autores de interés: Clyde Butcher

Fotografía Épica ¿Por qué?

Clyde Butcher, es hasta el momento actual, es uno de los mayores contribuidores en dar a conocer el paisaje estadounidense y además de una forma muy especial. Su concepto de la escala y las proporciones es magistral. Es precisamente dicho dominio lo que hace que sus paisajes tomen un carácter monumental.

Sus pinturas, perdón, sus fotografías recuerdan precisamente a parte de la tradicional pintura americana de paisaje del siglo XIX. Sus fotografías, de grandes dimensiones, tienen el embrujo de transportar al espectador a la zona vista. Pero este embrujo es parte de su técnica más artesanal.

Blanco y Negro Monumental ¿Por qué?

Pues en gran parte por su forma de concebir la fotografía. Según cuenta el propio Butcher, la esencia de la fotografía tiene una doble vertiente: ver la imagen con el corazón y saber lo suficiente de técnica para conseguir una buena toma. Hay mucha gente que sabe mucha información técnica sobre aspectos fotográficos y que piensan que si encontraran la gran receta de la técnica podrían conseguir grandes resultados (e incluso que se creen que ya los tienen), según Clyde Butches, se equivocan. 

Se han olvidado de mirar con su corazón, con su alma, y eso es lo único que puede inspirar emoción en el espectador.Por eso, es inevitable su comparación con Ansel Adams.

Autores de interés: Henri Cartier Bresson.

Henri fue un gran fotógrafo francés, se destaca por fotografiar con la idea de atrapar el instante decisivo, es decir, el mismo momento en el que se desarrolla la acción; este autor fue uno de los mejores fotógrafos del documentalismo. Decidió dedicarse a la vida de la fotografía en lugar de trabajar en una industria textil heredada por su padre.

Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse.

Se formó en la Escuela nacional superior de Bellas Artes, abandona finalmente la fotografía en 1970 para dedicarse al dibujo. Un año antes de su muerte 2003, la Biblioteca Nacional de Francia le dedicaría una exposición retrospectiva, con Robert Delpire como comisario. Estos fondos son los que más tarde servirían para la apertura en el barrio parisino de Montparnasse de la fundación HCB, que asegura la buena conservación de su obra.

Ghandi

Autores de interés: Robert Mapplhetohorpe (retrato).

Probablemente uno de los artistas más influyentes del siglo XX, Robert Mapplethorpe es el fotógrafo –poeta para muchos– del cuerpo por excelencia. Nació en Nueva York en el entorno de una familia católica practicante. De niño estuvo un tiempo siendo monaguillo. Su padre, estricto y de convicciones firmes, quería que Mapplethorpe fuera publicista. Fan confeso de Andy Warhol, sus primeras producciones utilizaban la fotografía como recurso para crear obras mixtas con un marcado carácter conceptual y pop.

Mención aparte merece su relación con Patti Smith a la que conoció cuando ambos “eran unos niños” en el Nueva York de los años sesenta, concretamente durante el verano del amor. Se encontraron y estuvieron sobreviviendo durante años en una pequeña habitación del hotel Chelsea. Allí coincidirían con personajes de la talla de Janis Joplin, Allen Ginsberg y muchos de los miembros de la Factorywharholiana. Descubrió la fotografía con una pequeña cámara Polaroid –“la inmediatez del proceso se adecuaba a su carácter”, reconocería Smith– a comienzos de los años 70.

Su obra, presente desde mediados de los años setenta en los principales museos y centros de arte de todo el mundo, es indisociable de la carnalidad y el blanco y negro. Lo primero, manifiesto a través de las referencias sexuales explícitas y las alusiones a la homosexualidad y al sadomaso, y lo segundo, consecuencia de su sentido de la composición, de la luz, las gradaciones y las texturas. “Trabajaba sin reparos, revistiendo lo homosexual de grandeza, masculinidad y una nobleza envidiable. No pretendía hacer ningún alegato político ni ninguna declaración de su ideología sexual en progreso. Pretendíadignificar aspectos de la experiencia masculina, conferir misticismo a la homosexualidad”, apuntaría Patti Smith al respecto.

El escándalo acompañó siempre a las exposiciones de Mapplethorpe. Sobre todo en aquellas en las que se podían ver de forma explícita prácticas sadomasoquistas homosexuales. Con él, el desnudo masculino adquirió cuotas de belleza ausentes desde la Antigua Grecia. “Busco la perfección en la forma. Lo hago con los retratos, con las pollas, con las flores”, declararía.

Además de en galerías y museos, sus instantáneas siempre estuvieron presentes en las páginas de algunas de las revistas más prestigiosas del momento, de Vogue a Harper’s Baazar. Entre sus influencias, el ya mencionado Andy Warhol, la película Cowboy de medianoche (1969) y los filmes de Fellini y Pasolini, de Félix Nadar y August Sander, o su pareja y mecenas, Sam Wagstaff. “A Robert no le gustaba retocar las fotos; para él, cada elemento de la imagen tenía que ser perfecto", admitiría Dimitri Levas, vicepresidente de la fundación que lleva su nombre.

Autores de interés: James Ravilious.

James Ravilious nació en Inglaterra. Estudió en la escuela de arte, Londres de San Martín, y luego enseñó pintura  y dibujo en Londres.

A principios de 1970 James se inició en la fotografía.

John Lane, director del centro de arte en el pueblo vecino de Beaford, invitó a James aportar algo de trabajo para el recién creado Archivo Beaford, que pretende ser un registro fotográfico de la vida en una zona virgen en gran parte, pero vulnerable, país. Lo que comenzó como un proyecto a corto plazo se convirtió en una obsesión por los diecisiete años año. En ese momento James tomó más de 80.000 imágenes en blanco y negro de todos los aspectos de la vida local: paisaje, la agricultura, la vida cotidiana en las ciudades y pueblos de la zona, y sus ocasiones especiales. También prestado y se copia más de 5.000 fotografías tempranas de la misma zona.

Además de su trabajo para el Archivo Beaford, James realizó muchos encargos privados, tales como las artes y la influencia campaña Save Our Huertas del cuerpo entorno Common Ground, Proyecto Mendip Consejo del Condado de Somerset, y el trabajo de grabación para el Consejo del Condado de Devon. También fotografió en Francia (sobre todo en Normandía y la región de Cevennes), así como en Italia, Grecia e Irlanda, y otras partes de las Islas Británicas. En privado, él tomó una serie de imágenes en color en Devon que son paralelos a su trabajo para el Archivo Beaford.

El trabajo de James ha sido exhibido en Inglaterra, Francia y Estados Unidos; y puede ser visto en varias colecciones. Ha publicado una serie de libros con sus fotografías, y ha contribuido a muchos otros. En 1997 se le dio Miembro Honorario de la Real Sociedad Fotográfica en reconocimiento a su contribución a la fotografía. Él murió de linfoma en 1999.

Autores de interés: John Garrett

El primer trabajo de John Garret fue como asistente del fotógrafo  de los ambiques de la película Stanley Kramer.

El trabajo tuvo una influencia determinante sobre toda su carrera. La oportunidad como un joven de 19 años de trabajar con profesionales con una reputación internacional, por no hablar de la posibilidad de pasar el rato con las grandes estrellas como Ava Gardner, Fred Astaire y Gregory Peck era una oportunidad única y establece estándares altos desde el principio. Fue una experiencia de apertura de mente para ver el gran mundo fuera del lado de Melbourne.

Durante ese período se vio influido considerablemente por las historias de fotos de revistas de los partidos de la Vida y de París. Las excelentes márgenes en Vogue y Bazar de Avedon y Penn fueron una inspiración también.

Fue otorgado fotógrafo  ACIAA del año 1964.

La primera supermodelo internacional Jean Shrimpton llega a Australia para promover Du Pont.Garrett fue elegido para rodar la campaña de publicidad y esto fue otro momento decisivo en su carrera, ya que le llevó a trasladarse a Londres en 1966.

Se trasladó a Londres a mediados de los años sesenta "". Trabajando como fotógrafo de moda en todas las revistas de moda joven de moda de la época y también trabajando duro en la ilustración de la publicidad.

Otro momento decisivo en la carrera de Garrett estaba conectando con el eminente periodista John Pilger. Trabajaron juntos en grandes historias de actualidad por 30 años. La reunión fue fundamental en un dramático cambio de dirección. Muy pocos fotógrafos han sido nunca capaz de moverse a través del exitoso fotógrafo de moda al principio fotógrafo reportaje. Pero el reportaje había sido siempre el primer amor de Garrett. Las historias incluyen la pobreza en Gran Bretaña; El muro de Berlin; La guerra en Irlanda del Norte, etc.

Maestros españoles de la fotografía

Tipos de cámaras.

El primer fotógrafo fue Joseph-Nicéphore Niépce en 1826, utilizando una cámara hecha de madera fabricada por Charles y Vincent Chevalier en París. A pesar de que esto es considerado como el origen de la cámara fotográfica, la invención de ésta pudo haber ocurrido antes. . Pero no fue hasta la invención de la fotografía que se pudieron fijar permanentemente las imágenes; mientras tanto se tenían que dibujar manualmente las imágenes.

La primera cámara, que fue lo suficientemente pequeña para considerase portátil, fue construida por Johann Zahn en 1865. Las primeras cámaras fotográficas eran similares en esencia al modelo de Zahn, aunque generalmente con una mejora en el enfoque.

Antes de cada exposición una placa sensibilizada era insertada. El popular draguerrotipo de Louis Draguerre, dado a conocer en 1839, utilizaba placas de cobre plateado, sensibilizadas con vapores de yodo; mientras que en el procedimiento del calotipo inventado por William Fox Talbot se formaban las imágenes negativas sobre soporte de papel.

Pasaron 90 años para que la tecnología se percatara de sus posibilidades. Sin embargo, la cámara fotográfica ha evolucionado a través de los años, sus orígenes pueden ser encontrados hace mucho tiempo.

La cámara oscura original era una habitación cuya única fuente de luz era un orificio muy pequeño en una de la paredes. La luz que penetraba en ella por aquel orificio proyectaba una imagen del exterior en la pared opuesta; la imagen resultaba invertida y borrosa. Leonardo Da Vinci definió una cámara oscura. Decía que si se coloca una hoja de papel en blanco verticalmente en una habitación oscura, el observador verá proyectada en ella los objetos del exterior, con sus formas y colores. "Parecerá como si estuvieran pintados en el papel", escribió.

Luego se descubrió que la luz causaba un ennegrecimiento. Los científicos británicos Thomas Wedgwood y sir Humphry Davy comenzaron sus experimentos para obtener imágenes fotográficas. Estas fotos no eran permanentes ya que después de exponerlas a la luz, toda la superficie del papel se ennegrecía.

A partir de ciertos descubrimientos, fueron muchos los que intentaron o "lograron" tomar fotografías, pero fue Joseph Nicéphore, en 1827, quién obtuvo la primera fotografía conservada de la historia.

Además de estos hubo muchos descubrimientos posteriores que finalizaron en las actuales cámaras fotográficas, mecánicas, automáticas, rápidas, muy precisas, con fotos a color.

Vídeo de la exposición.

   Para ver el vídeo de la exposición que realizamos,aquí  tenéis el enlace del vídeo:


                     https://www.youtube.com/channel/UC-UvABR5YZVy6wPWhOIhp4w

Inicios de las revistas con fotografías.

Las primeras revistas fueron periódicos literarios o políticos publicados exclusivamente para los ricos, y demasiado caros para una difusión más amplia.

La primera ola sostenida de edición de revista popular la proporcionaron las revistas semanales ilustradas. Su éxito coincidió con el crecimiento de los movimientos democráticos populares europeos y con los avances técnicos en la imprenta, que hicieron posible su producción. Las revistas ilustradas proporcionaron un nuevo, rápido y, sobretodo, vivaz servicio semanal de noticias, en un periodo de agitación política.

La revolución fotográfica se afianzó contra la voluntad de muchos editores de revistas de la época, que nunca llegaron a comprendedla por completo. A partir del invento del daguerrotipo se estableció una batalla entre fotografía e ilustración, en la cual, curiosamente, cada una de ellas tomó características de la otra. Los artesanos labraron tales milagros con los sombreados de líneas entrecruzadas que las ilustraciones tomaron unas cualidades realistas, rara vez superadas por las primeras fotografías, y los facsímiles fotográficos impresos en las revistas estaban retocados que parecían dibujos. La litografía a color, nacida de los experimentos de Cheret en 1860, llevó el color a las revistas por primera vez y proporcionó una libertad artística sobre las que se basaron muchas de las innovaciones aportadas por el Movimiento Moderno en el diseño gráfico.

La revista L´Art Moderne amplió el papel de la revista como “documentadota” no sólo de noticias, sino también de cultura popular y experiencia cotidiana. Las revistas artísticas rompieron convenciones, convirtiendo la portada, que tradicionalmente había sido un grabado estándar ornamentado utilizando sin cambios semana tras semana, en un vibrante cartel ilustrado de actualidad.

En la primera década del siglo XX se empezó a evidenciar que las nuevas formas de composición de la página en las editoriales comerciales se desarrollaban de forma bastante autónoma respecto a la vanguardia académica. Una percusora del diseño moderno aún mas destacada fue la revista deportiva francesa La Vie au Grand Air fundada en 1890. Para el año 1908 ya había adoptado un estilo de composición que era el precursor directo de las primeras revistas fotoperiodísticas. La Vie au Grand Air utilizaba el fotomontaje, secuencias de fotografías alineadas, recortes e inserciones de fotografías, que ampliaban el movimiento y la acción de la fotografía deportiva. No se volvió a ver nada similar durante los veinte años siguientes.

Revistas Actuales de Fotografías.

FORBES

Forbes es una revista especializada en el mundo de los negocios y las finanzas, publicada en Estados Unidos. Fundada en 1917 por B. C. Forbes, cada año publica listas que despiertan gran interés en el ámbito de los negocios como Forbes 500. Su sede central se encuentra en la Quinta Avenida de Nueva York. Desde 1986, cada año Forbes publica su lista de las personas más ricas del mundo («The World's Richest People»).

Está publicada en inglés, de categoría negocios y finanzas, especializada en listas, con una frecuencia bisemanal,

ICON

Es una revista de moda para hombres que cuenta con una versión en línea y otra en papel. Esta revista aporta cada mes información que se necesita sobre lo último en moda masculina, estilo de vida, cultura y actualidad de una forma innovadora y enriquecida.

JOT DOWN

Fue fundada por Ángel Fernández y Ricardo J. González en mayo de 2011. Cuenta con una versión en línea y otra en papel. Entre los planes de futuro de la revista está tener una versión en inglés.

Su precio es de tres euros.

10 Razones para Fotografiar en Blanco y Negro

• No estamos acostumbrados a ello

Sí, todos hemos visto muchísimas fotografías en blanco y negro pero seamos sinceros: todos nosotros, dejando de lado las personas afectadas de daltonismo monocromático, vemos el mundo en color, así que mostrar algo en blanco y negro nos obliga a verlo de una forma nueva.  Una fotografía en blanco y negro probablemente llame más la atención que una en color, pues el color nos parece más cotidiano, más normal, mientras que el duotono nos acerca más al cine, a la escenificación, al arte en general.

• Es una caja de sorpresas

Al tomar la foto podemos imaginarnos más o menos cómo será el resultado final pero tendremos que esperarnos a ver la imagen en escala de grises para poder apreciar el resultado final. Un buen ejercicio fotográfico es el de intentar imaginarnos nuestro escenario en blanco y negro, con la intención de identificar posibles fotografías interesantes en blanco y negro. Y es que no todas las fotografías son adecuadas para el procesado al blanco y negro, las hay más predispuestas a convertirse en buenas fotografías monocromáticas (imágenes abstractas, con texturas, líneas...) y las hay menos adecuadas.

• El color esconde secretos

¿Te ha pasado nunca el haber tomado una fotografía que, a tus ojos, pasaba sin pena ni gloria pero al convertirla al blanco y negro, ha ganado en fuerza? Eso es porque, como dice el título, el color esconde secretos. Hay elementos que quedan enmascarados, en cierta manera, por el color. Podríamos decir que el color nos llama la atención visualmente, así que distrae a los ojos para que estos no vean ciertas cosas con tanta facilidad. Es por esta razón que se dice que, en las fotografías en blanco y negro, la composición es más importante, pues con la ausencia de color las líneas, las texturas, los contrastes lumínicos saltan a la luz y se hacen más evidentes.

• Es más difícil conseguir una buena foto

Precisamente por las razones que hemos explicado en el punto anterior, conseguir una foto espectacular en blanco y negro es mucho más difícil que hacerlo en color. La ausencia de color nos ayuda a fijarnos en cosas que, en presencia de colores, quizás hubieran pasado desapercibidas. Es cierto que, como ya hemos visto, el hecho de que no estemos acostumbrados a ver en blanco y negro nos puede ayudar a conseguir una imagen atractiva visualmente, pero esto no te librará de tener que prestar más atención a los aspectos técnicos de la imagen que, en blanco y negro, quedan más al descubierto.

• La excusa perfecta para usar un alto contraste

Si queremos usar un contraste alto para una fotografía en color, seguramente las tonalidades varían y tengas que dedicarte, también, a modificar saturación e intensidad para conseguir el efecto deseado. En una fotografía en blanco y negro no tendrás que pasar por esto. Además, por norma general, las fotografías monocromáticas con un alto contraste suelen tener muchísima fuerza visual, incluso más que en color. Con todo, no debes olvidar que es muy importante que tu fotografía tenga toda la gama tonal: desde el blanco más puro al negro más intenso, pasando por todos los grises!

• A veces es la única manera de transmitir aquello que  buscamos expresar.

A veces el color no puede expresar aquello que nosotros deseamos. En estos casos, el blanco y negro puede convertirse en tu mejor aliado. Un blanco y negro procesado en clave baja puede dar pie a una imagen muy profunda, expresando agresividad, dureza o también melancolía y tristeza. En cambio, un blanco y negro en clave alta, en cambio, puede ayudarte mucho para expresar sentimientos de pureza y tranquilidad. Todo depende de la fotografía que queramos conseguir y de cómo la trabajamos antes y después del procesado

• También puede ser tu última opción

Si eres un amante del color; el blanco y negro puede ser tu última opción. Aquella alternativa que te salve en un momento de crisis. En mis fotos siempre ando buscando el color perfecto para cada imagen pero hay veces que no lo encuentro. En ocasiones como esa, antes de dejar la fotografía como "misión imposible", siempre la pruebo en blanco y negro. Más de una vez he quedado sorprendida y me he dado cuenta de que el color que aquella fotografía me estaba pidiendo era, ni más ni menos, el blanco y negro.

• El blanco y negro es más simple

Así que, como consecuencia, aquellas imágenes que se conviertan al blanco y negro serán más simples. Por supuesto que hay excepciones, no es difícil encontrar imágenes verdaderamente complejas en blanco y negro, pero si crees que los colores no aportan mucho a tu fotografía, prueba de ponerla en blanco y negro, seguramente te guste mucho más.

• No me gusta la fotografía en blanco y negro porque considero que es algo demasiado clásico.

Aunque lo retro esté de moda, una fotografía en blanco y negro es como volver hacia atrás, haciendo que una imagen actual sea muy clásica con esos colores.

• No realizaría una fotografía en blanco y negro para subirla a una red social.

No me gustaría subir una fotografía donde no destacasen los diferentes colores de las cosas,y menos para que pudiera ser vista por todas las personas.

Resultado de las encuesta.

Según los resultados de las encuestas la cuál tenían que valorar del 1 al 10 por qué usted realizaría una fotografía en blanco y negro y siendo 1 la puntuación más baja y 10 la puntuación más alta hemos podido clasificar por orden de prioridad:

10. El color esconde secretos.
9. A veces es la única manera de transmitir aquello que buscamos expresar.
8. Es una caja de sorpresas.
7. La excusa perfecta para usar un alto contraste.
6. No estamos acostumbrado a ello.
5. Es más difícil conseguir una buena foto.
4. Pienso que la fotografía en blanco y negro es más simple.
3. Sería mi última opción, aunque ahora esté de moda.
2. No me gusta la fotografía en blanco y negro porque considero que es algo demasiado clásico.
1. No realizaría una fotografía en blanco y negro para subirla a una red social.


La encuesta se ha realizado al alumnado de  3º del Grado de Educación Infantil de la Universidad de Osuna (Francisco Maldonado).

Consejos para mejorar las fotos paisajistas.

1. Mantén las cosas simples – La mejor composición fotográfica suele ser aquella que es la más simple. Por lo tanto elimina del enmarcado aquellos elementos visuales que no ayudan a comunicar tu visión de la escena.

2. Usa el primer plano “foreground” de manera ventajosa – Como tratar los elementos visuales del primer plano dependerá de la importancia de estos en tu composición. Si no son importantes, no permitas que dominen la misma, trata de integrarlos a la escena a una distancia intermedia entre la cámara y el fondo. Si son elementos de interés entonces para que predominen en la composición acércate a ellos o usa un lente de ángulo amplio (“wide Angle”)

3. Utiliza la hora de oro y la hora azul (“Golden Hour” and “Blue Hour”) – Estos son los términos utilizados para llamar a ese tiempo antes y después de una puesta o la salida del sol. Son las mejores horas para fotografiar ya que ofrecen una luz de alta calidad, suave y de colores pasteles que aportan de manera positiva a la imagen.

4. Vigila el cielo – Aquello que está sobre el paisaje también es importante. Y en el caso de paisajes naturales el cielo juega un papel importante en la escena ya que este contribuye grandemente en establecer la atmósfera de la foto. Cuando compongas recuerda añadir o eliminar el cielo de acuerdo a lo que quieras crear.

5. Considera el ángulo de captura – La altura de la cámara con respecto al horizonte juega un papel importante en la composición. El punto de vista influye en la importancia que adquieren los elementos visuales de la escena.   Un punto de vista bajo añade fuerza compositiva a los elementos del primer plano mientras que un punto de vista alto da balance a la escena y abre el espacio entre los diferentes planos visuales.

6. Haz tu investigación y planifica tu día fotográfico – La preparación previa de la captura de una fotografía es a veces más importante que la captura misma. En la fotografía de paisajes naturales hacer esto podría ser la diferencia entre el éxito o el fracaso de la toma de una foto. También el tomar decisiones de como escoger el lugar, la hora, la altura, conocer las condiciones del tiempo, marea, viento y la localización de la fuente de luz son datos y elementos importantes para lograr una fotografía igual a tu visión creativa o a lo que tienes en mente crear.

7. No te obsesiones con tu equipo – Siempre es bueno obtener lo mejor a la hora de adquirir equipo pero esto no necesariamente hará una diferencia significativa en la captura de una imagen. Nota que dije que hace diferencia pero no una grandísima diferencia. En especial si eres un fotógrafo de nivel inicial o intermedio. Es mejor invertir tu dinero en objetivos o lentes de calidad o en viajar a lugares de interés fotográfico, a querer tener la cámara de último modelo.

8. Cualquier clima es bueno para fotografiar – Muchos han pensado que días nublados o tormentosos no son buenos días para fotografiar. Están muy lejos de la realidad. Cuando de paisajes se trata un día nublado te ofrece escenas y paisajes iluminados con una luz suave que permite la captura de una gama de colores y contrastes que bajo la luz solar directa sería imposible lograrlo. Además, antes, durante y después de una tormenta el cielo te ofrece una infinita cantidad de posibilidades a la hora de componer con el cielo como elemento de composición.

9. Protege tu equipo – Otro consejo importante a la hora de fotografiar paisajes es la protección de tu equipo. Los elementos del tiempo como el viento y la humedad además del polvo, la arena tienes que ser considerados a la hora de usar tu equipo. En especial si haces fotografía en ríos, cascadas o en zonas costeras. El trípode golpeado por un fuerte viento o una ola puede voltearse con tu cámara y caer dentro del agua. Nunca dejes desatendido tu equipo sobre el trípode. Además siempre lleva contigo un paño para secar tu equipo y paños de microfibra para limpiar tus objetivos o lentes.

10. Explora nuevas fronteras – Siempre date la oportunidad no solo de visitar nuevos lugares de interés fotográfico sino también experimentar haciendo nuevas cosas: recompone, cambia tu posición, usa la regla de los tercios y haz fotografía en formato horizontal y vertical. Solo podrás mejorar fotográficamente hablando si sales de tu zona de comodidad y tratas nuevas técnica.

11. Únete a grupos – El 90% de quienes se inician en la Fotografía pasa la mayoría del tiempo haciendo fotos a solas. Es tiempo de que te unas a un club de Fotografía o a un grupo de amigos fotógrafos. Esta es la manera más rápido de aprender, de conocer más sobre lo que hacen otros como tú y de compartir tu pasión por la Fotografía.

12. Usa disparador remoto – Y el último consejo. Si quieres ser exitoso logrando fotos de paisajes bien definidas y de alta calidad, tienes que evitar la vibración de tu cámara y/o el trípode. Como único podrás evitar el movimiento de la cámara al dispararla es haciendo el disparo de manera remota. 

¿Qué es el photoshop?

Photoshop es el nombre popular de un programa informático de edición de imágenes. Su nombre completo es Adobe Photoshop y está desarrollado por la empresa Adobe Systems Incorporated. Funciona en los sistemas operativos Apple Macintosh y Windows.

El nombre comercial de este producto se puede traducir del inglés como 'taller de fotos'. Aunque existen otros programas similares como GIMP o PhotoPaint, en la cultura popular se utiliza esta palabra para referirse también al 'retoque digital de una imagen". Por ejemplo: "En esta foto se han pasado con el Photoshop".